VOIR SUR LE BLOG LE COURS 130-PAYSAGE/JARDINS
Nous avons vu au cours précédent que la notion de Paysage est né de la sensibilité du regard des artistes . Nous continuerons notre observation en associant les caractéristiques des peintures de Klee et de Kandinsky aux jardins de Gabriel Guévrékian et ceux de Fletcher Steele, en montrant comment le Japon a ouvert l'espace paysagé. En effet les jardins de Guévrekian et de Steele utilise simultanement la couleur peinte et celle des végétaux, l'oraganisation spatiale est planifiée au sol, et le mieux perçue en vue de dessus, comme une peinture . Ainsi à l'image du japonisme l'avantage est donné aux qualités plastiques et picturales et dans la nouveauté de la mise en page, l’habileté du dessin, l’éclat des couleurs, la simplification des formes, comme 1/ Les techniques ont un esprit de libération se démarquant des pratiques routinières issues de l’académisme 2/ Un rapport nouveau à l’espace : absence de point de fuite ou alors situé très haut, vues plongeantes, flottement des figures, échelonnement vertical ; 3/ Des cadrages et des compositions audacieux ; 4/ Une nouvelle conception de la pose et de l’attitude ; 5/ Une perception instantanée, la saisie immédiate du réel ; 6/L’évocation du fugitif et du mouvement ; 7/ La revalorisation du décoratif (en opposition au caractère imitatif de type photographique) ; 8/ Une vision épurée et synthétique.
Guevrekian , Jardin d'Eau et de Lumière, 1925. Source: J. Marrast, Jardins, 1925.Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, jardin temporaire
De Gabriel Guévrékian, né à Constantinople en 1900, et mort à Antibes le 29 octobre 1970 , est un architecte et un paysagiste, on se souvient principalement des trois petits jardins qu’il a conçus entre 1925 et 1928. C’est souvent le jardin provisoire de l’Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 à Paris. appelé «le jardin de l'eau et de la lumière», le petit jardin triangulaire de la villa Noailles à Hyères (1926-27) et les jardins en terrasses de la villa Heim (Neuilly, 1928). Les jardins de Paris et d’Hyères, en grande partie du fait de leur similarité formelle et conceptuelle, sont essentiels pour comprendre la vision reçue de l’œuvre de Guévrékian.
Nous ferons le lien avec la géométrie vaporeuse de lumière de Paul Klee et de son rapport à l'Orient avec les jardins de Guévrekian
L'artiste germano-suisse Paul Klee (1879-1940) débute sa carrière artistique à l’époque où les jeunes artistes, en Allemagne, commencent à prêter attention aux sources japonaises. C’est dans ce contexte qu’il crée, entre 1900 et 1908, les premières œuvres dans lesquelles se fait sentir l’influence des estampes japonaises, des gravures en couleur sur bois (Ukiyo-e). C'est probablement par Wassily Kandinsky et le groupe d'artistes Blauer Reiter que Klee est entré en contact avec des œuvres originales de l'art de l'Asie orientale. Ces rencontres lui inspirent une inspiration totalement nouvelle et l’encouragent à s'intéresser à l’art d’Asie de l’Est qui va bien au-delà de la mode japonaise.
La confrontation de Paul Klee avec la culture est-asiatique, en particulier japonaise, reflète son attitude ouverte et curieuse. Cet aspect de son travail, mis en évidence par sa compréhension de l'art, de la littérature et de la poésie japonaises et chinoises, ainsi que du taoïsme et du bouddhisme zen, n'a jamais été suffisamment apprécié jusqu'à présent. L'exposition, organisée en association avec le Zentrum Paul Klee à Berne, montre clairement à quel point l'art de l'Asie orientale faisait partie intégrante de l'œuvre de Klee.
Pour l'Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, JCN Forestier, concepteur en chef du site de l'exposition parisienne, a chargé Guévrékian de concevoir un petit jardin avec l'intention de créer quelque chose qui était à la fois «persan» et «moderne». Forestier a expliqué:
«Dans le cadre de cette exposition, Nous voulions beaucoup avoir un jardin conçu dans un esprit moderne avec certains éléments du décor persan, malheureusement les imitations des jardins arabes et des patios espagnols, qui sont typiquement des rencontres, ont tendance à être aussi banales qu’omniprésentes. comme celui-ci, j'ai stipulé qu'il devait y avoir un esprit moderne dans ce jardin. "
Le jardin était de forme triangulaire, composé en grande partie de bassins réfléchissants triangulaires à plusieurs niveaux et de lits de plantation. Au centre de l'ensemble se trouvait une sphère de vitrail à propulsion électrique et à éclairage interne. Fletcher Steele a observé:
"Le globe de miroir qui tourne lentement pour refléter les lumières est plutôt un truc de club de nuit qu’une tentative sérieuse de décoration de jardin. Mais il réussit complètement à focaliser l’intérêt et à motif complètement rigide. "
Un seul jet d'eau provenant d'un petit pylône alimentait le bassin depuis une position située à mi-chemin entre la sphère et le sommet de l'enceinte le long de l'axe central du jardin. Le métallurgiste Louis Barillet conçoit à la fois la sphère et le pylône, ce dernier évoquant l’influence du projet de Vladimir Tatlin sur le monument à la troisième internationale (1919-1920), exposé dans le pavillon russe. Des massifs de forme triangulaire en ageratum bleu, pyrèthre blanc, bégonia rouge et pelouse verte bordaient les bassins et la sphère de deux côtés. Les murs et les sols des bassins ont été peints avec des couleurs et des motifs concentriques conçus par Robert Delaunay. Deux gros blocs de pierre ont ponctué le point de connexion entre les plates-bandes et le bassin, ancrant visuellement la composition. L'ensemble entier était contenu sur deux côtés par le bas, cloisons diaphanes faites de petits triangles de verre coloré en blanc et de différentes teintes de rose. Bien que le jardin ait été ouvert sur le côté faisant face à l'esplanade des Invalides, le jardin a été conçu comme un tableau que l'on regardait, mais sans y pénétrer.
Paul Klee (1879-1940) Pyramides d’Eau, 1937.
aquarelle, 39 x 31 cm
Berne, Kunstmuseum
Paul Klee (1879-1940)Ad Parnassum, 1932
Huile sur toile, 100 x 126 cm
Les jardins de Paris et d’Hyères sont similaires dans plusieurs zones clés. Chacune était bilatéralement symétrique et triangulaire et avait pour point focal un élément sculptural rotatif. Dans le jardin de Paris, la sphère de Barillet occupait le centre de l'ensemble; Le jardin de Hyères était axé sur le bronze, Joie de Vivre, de Jacques Lipchitz, qui planait et tournait au-dessus du sommet du jardin. Au-delà des similitudes formelles des jardins de Paris et d’Hyères, ils partagent des idées clés et des dispositifs thématiques. L'un des plus critiques est le thème de la réflexion, indiqué par la manière dont Guévrékian a représenté ses dessins dans des dessins, par les matériaux à partir desquels ils ont été construits et, en partie, par leur expérience.
Le Bauhaus est en lien avec l'architecture japonaise et ses lignes de construction, l'enseignant Johannes Itten développe des recherches qui portent surtout sur la mise en évidence des lignes de direction des œuvres comme ’Anbetung’’ de 1921. Il traite ainsi des œuvres extrême-orientales issues d' un ouvrage de son compatriote Kumel : ‘’Arrhat’’ de Mu Qi dans laquelle il trouve les lignes de construction dans la montagne et les dents du serpent hostile alors que le symbole mathématique de l’infini est inscrit dans la robe du saint homme.
À partir de 1921, Paul Klee enseigne au Bauhaus de Weimar, où Vassily Kandinsky le rejoint l’année suivante ; les deux hommes, qui partagent une Meisterhaus (maison de maître) à partir de 1926, renouent là une amitié datant de l’époque du Blaue Reiter, quand ils étaient voisins à Munich, en 1911. Leurs affinités, personnelles autant qu’artistiques, s’expriment en particulier à travers le dessin, dont la pratique joue pour eux un rôle fondamental d’expérimentation et d’expression, et qui tient dans leurs productions une place totalement autonome. En témoignent les œuvres qu’ils s’échangent régulièrement, pour certaines à l’occasion de leurs anniversaires respectifs : Briefbild fait ainsi partie du portfolio offert à Kandinsky en 1926 pour ses soixante ans, tandis que Rhythmen einer Pflanzung lui fut donnée en 1932. Chacune évoque par touches discrètes la situation des deux artistes, leur errance, que Klee souhaite voir s’achever à Dessau, dernière adresse en date de son ami, et qui pourtant a déjà repris pour lui – il enseigne désormais à Düsseldorf – lorsqu’il dédicace à son « ancien voisin » la seconde aquarelle, qui représente, par une métaphore naturelle, à la fois le temps qui passe et la fertilité du dialogue noué entre eux.
Wassily Kandinski supprime dès ses débuts la perspective et joue des à-plats, en 1910 il propose la première ‘’Aquarelle Abstraite’’ * à laquelle il va donner une nombreuse descendance. Le trait reste au cœur d’autres œuvres comme ‘’Figure Verte’’ de 1936 ou ‘’Ligne Brisée’’.
L’émergence de l’abstraction en peinture concrétise l’intérêt de l’époque pour les recherches sur l’inconscient. On retrouve là le sens des encres monochromes spontanées de la peinture zen, nous ferons les liens entre ces tracés de courbes intériorisées et l'organisation des formes dans les jardins de Fletcher Steele :
Vassily Kandinsky, Moscou, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944 la Chanteuse, Xylogravure sur papier japonais, montée sur papier.27 × 19.1 cm;, 1903
Longtemps considérée comme la première œuvre abstraite de l’histoire de la peinture, puisqu’elle est signée et datée de 1910 par Kandinsky, avec au dos l’inscription "aquarelle abstraite", cette aquarelle, estime t-on aujourd’hui, serait plutôt une esquisse pour une huile sur toile, Composition VII, achevée à l’automne 1913. Toutefois, s’agit-il d’une ébauche précoce, pleinement réalisée dans une œuvre plus tardive, ou d’une étude qui précède de peu l’achèvement de la composition et, par conséquent, antidatée par l’artiste ?
Le style de ce travail, ainsi que sa gestion de l’espace, inclinent à le rapprocher des peintures de 1913. Composée de touches de couleur à l’aquarelle, auxquelles se superposent, comme par transparence, des lignes noires tracées à la plume, cette aquarelle dissocie le rôle du dessin et de la couleur. Les lignes procurent aux formes un élan rythmique plutôt qu’elles ne délimitent un contour, assumant une fonction indépendante. Or, cette autonomie ne s’opère dans son œuvre qu’à partir de 1911.
De plus, les taches de couleurs flottent dans un milieu indéterminé, ce qui est fréquent dans les œuvres de Kandinsky ultérieures à 1912, alors qu’auparavant elles restent structurées par des images faisant référence à la mémoire et aux souvenirs personnels du peintre. Dans Du Spirituel dans l’art, rédigé en 1910, Kandinsky affirme que "Nous ne sommes pas assez avancés en peinture pour être déjà impressionnés profondément par une composition de formes et de couleurs totalement émancipée". (centre Pompidou)
Les formes européennes venant du Japon, peuvent être trouvées dans tout le jardin. Les haies, l'ombre et les rhododendrons y sont semblables aux bordures de jardin en Angleterre . Steele a conçu une allée en jeux de triangles reliés par une coube révélant une vue sur le lac à la fin, qui refléte les allées de petites fontaines de chaque côté du chemin . «La pièce dominante était une longue allée verte , flanquée de rhododendrons vibrants, menant à un bassin circulaire de 25 pieds débordant en 3 fontaines en cascade ». Nous avons pu flotter dans la rigueur souple du graphisme japonais dans les ouevres de Klee, kandinsky, structurant les jardins de Guevrekian et Steele.
Nous ferons le lien avec la géométrie vaporeuse de lumière de Paul Klee et de son rapport à l'Orient avec les jardins de Guévrekian
Le jardin du temple, Paul Klee (1879-1940), 1920 - gouache sur papier, © The Metropolitan Museum of Art / The Berggruen Klee Collection, 1987
L'artiste germano-suisse Paul Klee (1879-1940) débute sa carrière artistique à l’époque où les jeunes artistes, en Allemagne, commencent à prêter attention aux sources japonaises. C’est dans ce contexte qu’il crée, entre 1900 et 1908, les premières œuvres dans lesquelles se fait sentir l’influence des estampes japonaises, des gravures en couleur sur bois (Ukiyo-e). C'est probablement par Wassily Kandinsky et le groupe d'artistes Blauer Reiter que Klee est entré en contact avec des œuvres originales de l'art de l'Asie orientale. Ces rencontres lui inspirent une inspiration totalement nouvelle et l’encouragent à s'intéresser à l’art d’Asie de l’Est qui va bien au-delà de la mode japonaise.
La confrontation de Paul Klee avec la culture est-asiatique, en particulier japonaise, reflète son attitude ouverte et curieuse. Cet aspect de son travail, mis en évidence par sa compréhension de l'art, de la littérature et de la poésie japonaises et chinoises, ainsi que du taoïsme et du bouddhisme zen, n'a jamais été suffisamment apprécié jusqu'à présent. L'exposition, organisée en association avec le Zentrum Paul Klee à Berne, montre clairement à quel point l'art de l'Asie orientale faisait partie intégrante de l'œuvre de Klee.
Ikeda Harumasa, Schriftzeichen „En (Kreis)“, Japon, Edo-Zeit, Ende 18. bis Anfang 19. Jh. als Hängerolle montiert, Livre et papier, 54,9 x 64,9 cm, Musée des beaux-arts, Cologne, © RBA
Paul Klee (1879-1940), Kindheit, 1938, Papier au papier peint, 27 x 42,8 cm, Zentrum Paul Klee, Berne, © Zentrum Paul Klee, Berne
Paul Klee (1879-1940), Der Schrank, 1940, Papier au karton, 41,5 x 29,5 cm, Zentrum Paul Klee, Berne, Schenkung Livia Klee, © Zentrum Paul Klee, Berne
Dessin de Guevrekian pour le Jardin d'Eau et de Lumière, 1925.
Source: J. Marrast, Jardins, 1925.Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, jardin temporaire
«Dans le cadre de cette exposition, Nous voulions beaucoup avoir un jardin conçu dans un esprit moderne avec certains éléments du décor persan, malheureusement les imitations des jardins arabes et des patios espagnols, qui sont typiquement des rencontres, ont tendance à être aussi banales qu’omniprésentes. comme celui-ci, j'ai stipulé qu'il devait y avoir un esprit moderne dans ce jardin. "
Le jardin était de forme triangulaire, composé en grande partie de bassins réfléchissants triangulaires à plusieurs niveaux et de lits de plantation. Au centre de l'ensemble se trouvait une sphère de vitrail à propulsion électrique et à éclairage interne. Fletcher Steele a observé:
"Le globe de miroir qui tourne lentement pour refléter les lumières est plutôt un truc de club de nuit qu’une tentative sérieuse de décoration de jardin. Mais il réussit complètement à focaliser l’intérêt et à motif complètement rigide. "
Un seul jet d'eau provenant d'un petit pylône alimentait le bassin depuis une position située à mi-chemin entre la sphère et le sommet de l'enceinte le long de l'axe central du jardin. Le métallurgiste Louis Barillet conçoit à la fois la sphère et le pylône, ce dernier évoquant l’influence du projet de Vladimir Tatlin sur le monument à la troisième internationale (1919-1920), exposé dans le pavillon russe. Des massifs de forme triangulaire en ageratum bleu, pyrèthre blanc, bégonia rouge et pelouse verte bordaient les bassins et la sphère de deux côtés. Les murs et les sols des bassins ont été peints avec des couleurs et des motifs concentriques conçus par Robert Delaunay. Deux gros blocs de pierre ont ponctué le point de connexion entre les plates-bandes et le bassin, ancrant visuellement la composition. L'ensemble entier était contenu sur deux côtés par le bas, cloisons diaphanes faites de petits triangles de verre coloré en blanc et de différentes teintes de rose. Bien que le jardin ait été ouvert sur le côté faisant face à l'esplanade des Invalides, le jardin a été conçu comme un tableau que l'on regardait, mais sans y pénétrer.
Paul Klee (1879-1940) Pyramides d’Eau, 1937.
aquarelle, 39 x 31 cm
Berne, Kunstmuseum
Paul Klee (1879-1940)Ad Parnassum, 1932
Huile sur toile, 100 x 126 cm
Guevrekian , Jardin d'Eau et de Lumière, 1925.
Source: J. Marrast, Jardins, 1925.Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925, jardin temporaire
Paul Klee (1879-1940) Aux Portes de Kérouan, 1914,Aquarelle sur papier sur carton, 20,7 x 31,5 cm,Berne, Centre Paul Klee, lors de son voyage en Tunisie
Le jardin triangulaire de Guevrekian à la Villa Noailles, 1927.
Peu après avoir vu le jardin temporaire de Guévrékian à l'exposition de Paris en 1925, le vicomte Charles de Noailles écrivit à Mallet-Stevens pour lui suggérer de garder un jardin pour sa villa que Mallet-Stevens concevait alors pour les Noailles à Hyères; Guévrékian, qui avait rejoint le bureau de Mallet-Stevens en 1922, y travaillait toujours. La villa devait être un tour de force artistique et architectural, illustrant le patronage de l'art avant-gardiste par Charles et Marie-Laure Noailles. Outre Mallet-Stevens et Guévrékian, Pierre Chareau, Théo van Doesburg, Eileen Gray, Henri Laurens, Jacques Lipchitz et Jan et Joël Martel ont contribué à la construction de la villa. Un modèle du projet de Guévrékian pour le jardin d'Hyères a été exposé au Salon d'automne de 1927 et a été largement examiné dans la presse.
Le jardin triangulaire de Guevrekian à la Villa Noailles, 1927. Maquette
jardin aménagé en 1925 par l'architecte paysagiste Gabriel Guévrékian, chef d'atelier chez Mallet-Stevens, et orné d'une oeuvre de Jacques Lipchitz. Il s'apparente au jardin d'eau et de lumière que Guévrékian réalise en même temps à l'exposition des Arts-Décoratifs et n'est pas sans rappeler le jardin réalisé en 1924 par Paul et André Véra dans l'hôtel parisien des Noailles. Le mauvais état des structures maçonnées et des mosaïques a imposé son remplacement par une disposition simplifiée en 1933. Il a été reconstitué en 1986.
Jardin régulier de plan triangulaire aménagé au niveau de l'étage de soubassement, face au grand salon de la villa. Clos de murs, il est essentiellement constitué d'un damier de carrés maçonnés disposés en escalier et culmine autour d'un bassin rectangulaire à la pointe où se trouve le piédestal cylindrique sur lequel pivotait l'oeuvre en bronze de Lipchitz. Les zones de passage et les carrés maçonnés sont recouverts de mosaïque noire, rouge, jaune ou bleue. Des plantations de tulipes occupaient les autres carrés et des jardinières triangulaires étagées le long des murs. Dans chacun des 2 carrés symétriques qui occupent le centre du parvis du salon s'élevait un oranger. C'est toute la partie du damier qui s'étend au-delà de la zone de passage qui a ensuite été remplacée par un parterre plein à 3 étages entièrement planté d'agaves.
Le jardin triangulaire de Guevrekian à la Villa Noailles, 1927.
Le Bauhaus est en lien avec l'architecture japonaise et ses lignes de construction, l'enseignant Johannes Itten développe des recherches qui portent surtout sur la mise en évidence des lignes de direction des œuvres comme ’Anbetung’’ de 1921. Il traite ainsi des œuvres extrême-orientales issues d' un ouvrage de son compatriote Kumel : ‘’Arrhat’’ de Mu Qi dans laquelle il trouve les lignes de construction dans la montagne et les dents du serpent hostile alors que le symbole mathématique de l’infini est inscrit dans la robe du saint homme.
Itten : Anbetung Johannes Itten, Analysis of Meister Francke’s Adoration of the Magi (c. 1424). Foldout from Bruno Adler, ed. Utopia: Dokumente der Wirklichkeit (Weimar: Utopia, 1921)
À partir de 1921, Paul Klee enseigne au Bauhaus de Weimar, où Vassily Kandinsky le rejoint l’année suivante ; les deux hommes, qui partagent une Meisterhaus (maison de maître) à partir de 1926, renouent là une amitié datant de l’époque du Blaue Reiter, quand ils étaient voisins à Munich, en 1911. Leurs affinités, personnelles autant qu’artistiques, s’expriment en particulier à travers le dessin, dont la pratique joue pour eux un rôle fondamental d’expérimentation et d’expression, et qui tient dans leurs productions une place totalement autonome. En témoignent les œuvres qu’ils s’échangent régulièrement, pour certaines à l’occasion de leurs anniversaires respectifs : Briefbild fait ainsi partie du portfolio offert à Kandinsky en 1926 pour ses soixante ans, tandis que Rhythmen einer Pflanzung lui fut donnée en 1932. Chacune évoque par touches discrètes la situation des deux artistes, leur errance, que Klee souhaite voir s’achever à Dessau, dernière adresse en date de son ami, et qui pourtant a déjà repris pour lui – il enseigne désormais à Düsseldorf – lorsqu’il dédicace à son « ancien voisin » la seconde aquarelle, qui représente, par une métaphore naturelle, à la fois le temps qui passe et la fertilité du dialogue noué entre eux.
Wassily Kandinski supprime dès ses débuts la perspective et joue des à-plats, en 1910 il propose la première ‘’Aquarelle Abstraite’’ * à laquelle il va donner une nombreuse descendance. Le trait reste au cœur d’autres œuvres comme ‘’Figure Verte’’ de 1936 ou ‘’Ligne Brisée’’.
L’émergence de l’abstraction en peinture concrétise l’intérêt de l’époque pour les recherches sur l’inconscient. On retrouve là le sens des encres monochromes spontanées de la peinture zen, nous ferons les liens entre ces tracés de courbes intériorisées et l'organisation des formes dans les jardins de Fletcher Steele :
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. "Rolling Ridge"1915, North Andover, Massachusetts
Vassily Kandinsky Moscou, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944 Sans titre (Aquarelle), 1910? 1913?
Mine de plomb, aquarelle et encre de Chine, 49,6 x 64,8 cm
Le style de ce travail, ainsi que sa gestion de l’espace, inclinent à le rapprocher des peintures de 1913. Composée de touches de couleur à l’aquarelle, auxquelles se superposent, comme par transparence, des lignes noires tracées à la plume, cette aquarelle dissocie le rôle du dessin et de la couleur. Les lignes procurent aux formes un élan rythmique plutôt qu’elles ne délimitent un contour, assumant une fonction indépendante. Or, cette autonomie ne s’opère dans son œuvre qu’à partir de 1911.
De plus, les taches de couleurs flottent dans un milieu indéterminé, ce qui est fréquent dans les œuvres de Kandinsky ultérieures à 1912, alors qu’auparavant elles restent structurées par des images faisant référence à la mémoire et aux souvenirs personnels du peintre. Dans Du Spirituel dans l’art, rédigé en 1910, Kandinsky affirme que "Nous ne sommes pas assez avancés en peinture pour être déjà impressionnés profondément par une composition de formes et de couleurs totalement émancipée". (centre Pompidou)
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. Jardins des collines Berkshire: Naumkeag, 1926/1955, pour Mabel Choate, Stockbridge, au Massachusetts.
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. Jardins des collines Berkshire: Naumkeag, 1926/1955, pour Mabel Choate, Stockbridge, au Massachusetts.
Vassily Kandinsky, Moscou, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944 : Etude pour Komposition IV
[janvier 1911], Mine graphite, fusain et aquarelle sur papier ,18,5 x 27,1 cm
[janvier 1911], Mine graphite, fusain et aquarelle sur papier ,18,5 x 27,1 cm
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. Jardins des collines Berkshire: Naumkeag, 1926/1955, pour Mabel Choate, Stockbridge, au Massachusetts., ligne d'eau du ruisseau
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. Jardins des collines Berkshire: Naumkeag, 1926/1955, pour Mabel Choate, Stockbridge, au Massachusetts.Le jardin de roses
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. Jardins des collines Berkshire: Naumkeag, 1926/1955, pour Mabel Choate, Stockbridge, au Massachusetts., Le jardin de roses
Vassily Kandinsky, Moscou, 1866 – Neuilly-sur-Seine, 1944 , Figure Verte, 1936, Hauteur : 1.175 m
, largeur 0'89, huile sur toile(C) ADAGP, Paris, Strasbourg, musée d'Art moderne et contemporain
Fletcher Steele, 1885 – 1971, Rochester, New York, USA, architecte paysagiste. "Rolling Ridge"1915, North Andover, Massachusetts